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Liz Mc Quiston, Rébellion ! Histoire mondiale de l’art contestataire, Paris, Seuil, préface de Ludivine Bantigny, 2020, 288 pages, 39 €.

 

Un compte rendu de Frédéric Thomas

Dans ce livre, Liz Mc Quiston dresse un panorama, présenté comme mondial bien que centré sur le monde anglo-saxon, de l’iconographie contestataire du XVIe siècle à nos jours. L’art dont il est question ici n’est pas celui des films, de la peinture ou de la musique, mais bien celui des affiches, flyers, sérigraphies, etc., soit « une histoire du graphisme contestataire » (l’auteure a d’ailleurs longtemps été graphiste), au croisement des « événements locaux voire internationaux, mais aussi [d]es évolutions technologiques » (p. 6). Les dizaines de reproductions de grande qualité qui sont présentées sont pour la plupart directement connectées à des mouvements sociaux, dont l’auteure donne à chaque fois quelques clés de contextualisation.

La première partie de Rébellion ! s’ouvre sur l’histoire de la Réforme, et couvre une période particulièrement vaste de quatre siècles : de 1500 à 1900. On notera tout particulièrement, outre Les Désastres de la guerre, plus connus, de Francisco Goya (p. 24-25), l’eau-forte et gravure, « Gin Lane » (« Rue du Gin », 1750-1751) de William Hogart (p. 20) ou encore le « Contrastes à la mode ou le petit chausson de la duchesse cède à la grandeur du pied ducal (1792) de James Gillray (p. 23), d’une étonnante modernité. Plusieurs pages sont consacrées à la France, notamment à la caricature du journal Le Charivari, et plus précisément à l’invention du classique qu’est la représentation du roi Louis-Philippe en forme de poire (p. 26-27), mais on regrettera que la Commune de Paris, âge d’or pourtant de la caricature, ne soit pas évoquée.

Les autres parties couvrent des périodes nettement plus courtes – entre vingt et trente ans –, dont on peut questionner le découpage : un chapitre n’aurait-il pas dû être consacré aux années 1968, plutôt qu’une partie 1930-1960, et une autre 1960-1980 ? Au début du XXe siècle, le mouvement des suffragettes fut particulièrement stimulant pour l’invention iconographique, comme en témoignent, entre autres, les œuvres de Margaret Morris (p. 36) et de Hilda M. Dallas (p. 43)1. Deux pages sont consacrées aux gravures de l’artiste mexicain José Guadalupe Posada, et une dizaine aux mouvements artistiques, du futurisme au constructivisme russe, en passant par le photomontage et Dada, dont on retiendra tout particulièrement ici la reproduction de « Coupe au couteau de cuisine » (1919, p. 53) de la seule femme dadaïste à Berlin, Hannah Höch (1889-1978)2. Plusieurs pages évoquent (sous le thème beaucoup trop réducteur de « constructivisme ») la révolution russe, et les travaux de Rodtchenko et d’El Lissitzky (avec notamment l’affiche « Battez les Blancs avec le triangle rouge » (1919, p. 58)). Pour aussi intéressant qu’il soit, ce tour d’horizon est trop rapide et trop peu accompagné de notes pour ne pouvoir faire autrement que donner un bref aperçu à celles et ceux qui connaissent peu ces mouvements artistiques.

Dans la troisième partie, ressortent avec force les affiches de la Guerre d’Espagne, les photomontages de John Heartfield (1891-1968), et, moins connu peut-être sur le vieux continent, les très belles affiches (p. 68-69) de l’artiste états-unien (d’origine lituanienne), Ben Shahn (1898-1969). Peintre et photographe, membre du mouvement social réaliste, assistant de Diego Riveira sur la fresque Man at the Crossroads pour le Rockefeller Center, il fut l’un des photographes (avec notamment Walker Evans et Dorothea Lange), chargés,par la Farm Security Administration de documenter les conditions de vie des travailleurs ruraux au moment de la Grande dépression, sous le New Deal de F. D. Roosevelt.

La quatrième partie, au vu de la période couverte, est particulièrement riche. Des affiches révolutionnaires cubaines, au tournant des années 1968, on passe aux contre-cultures et aux mouvements féministes, gay et lesbiens, des droits civiques, écologiques, etc. Force est à nouveau de reconnaître l’inventivité du mouvement féministe (p. 91, 112 et suivantes). Plusieurs des affiches de l’Atelier populaire du Mai 68 français sont reproduites également. On remarquera entre autres l’affiche Eat (1967, p. 100) contre la Guerre du Vietnam, du célèbre conteur pour enfants, Tomi Ungerer (1931-2019).

Emblématique, le détournement de l’affiche de propagande britannique de 1915, « Daddy, what did YOU do in the Great War ? » (Papa, qu’as TU fait durant la Grande Guerre ?), d’abord en 1977, en remplaçant « Grande Guerre » par « Guerre nucléaire », et en montrant des enfants avec des difformités (p. 127), puis, à nouveau quarante ans plus tard, en 2017, en remplaçant cette fois « Grande Guerre » par « Guerre climatique », avec des personnages submergés et portant des masques (p. 253). Il est dommage d’ailleurs que certaines pratiques privilégiées, au premier rang desquelles le détournement d’oeuvres classiques, n’aient pas été mieux mises en avant et commentées. Du travail des « Guerilla girls » (notamment p. 158) aux cartes postales du Groupe de graphistes Trio lors de la Guerre de Bosnie Herzégovine, en passant entre autres par le tableau et image numérique de 2018 (p. 248), « A Prisoner no more » (Plus jamais prisonnière) de Laura Dumm, représentant la Vénus de Botticelli, avec sur le corps, les traces de coups et d’attouchements, le détournement semble en effet une arme particulièrement prisée – et efficace. De même, certaines productions auraient gagné à être mises en perspective. On pense notamment à la série Bringing the war home : House beautiful (Ramenez la guerre chez nous : la belle maison – ici le photomontage La Tenture grise (2004, p. 215)) de l’artiste états-unienne Martha Rosler, présentant un photomontage où la guerre menée par les États-Unis en Irak et en Afghanistan « s’invite » à l’intérieur des maisons. Or cette série fait le lien non seulement avec le travail de l’auteure contre la Guerre du Vietnam, mais aussi avec les « Intérieurs américains » d’Erro en 1968. Les correspondances, reprises, emprunts auraient mérités d’être explicités.

La lutte anti-apartheid en Afrique du Sud s’est, au cours des années 1980, internationalisée et popularisée, suscitant nombre de manifestations culturelles et politiques, accompagnées de concerts et d’affiches (dont celle de Keith Haring, en 1988 (p. 157)). Le mouvement Act Up, avec sa reprise du triangle rose, et la mise en évidence de l’équation « silence = mort » (1986, p. 165), renouvela les modes d’intervention publique, tant au niveau des manifestations que des discours et de l’iconographie. Toute proportion gardée, il en va de même pour l’Armée zapatiste de libération nationale (EZLN), dans les années 1990 (p. 185). La dernière partie explore des expériences plus récentes : deux pages rendent compte de l’important travail graphique trop méconnu de la révolution syrienne3, l’auteure évoque également le mouvement dit des Parapluies à Hong Kong, en 2014, (p. 230-231) et dont l’iconographie irrigue les manifestations de 2019, et le mouvement né aux États-Unis, Black lives matter (les vies des Noirs comptent), ainsi que, plus généralement, la lutte contre les exactions policières.

Ce livre offre donc un éventail aussi large que riche d’affiches ; certaines devenues des icônes, d’autres beaucoup moins connues. Il n’est toutefois pas sans défaut. On regrettera ainsi la quasi absence des continents d’Asie, d’Afrique (si ce n’est l’Afrique du Sud, avec notamment les caricatures de Zapiro (p. 197), qui sont comme une institution dans le pays) et d’Amérique latine (si ce n’est le Mexique et Cuba). Pour une histoire qui se veut mondiale, cela fait beaucoup. On notera également l’accent mis sur les nouveaux mouvements sociaux, au détriment d’un mouvement ouvrier peu représenté, et sans qu’une éventuelle faiblesse ou absence iconographique de celui-ci – éventualité erronée, d’ailleurs – ne soit exposée et analysée. De plus, pratiquement rien n’est dit sur les circuits de diffusion et de partage de supports graphiques, constituant souvent autant d’éphémères.

Par ailleurs, une certaine confusion traverse ce livre. Ainsi, sont mis sur le même plan des œuvres (signées) d’art politiques d’artistes individuels – parfois très percutants, tel que le « Coward in chief » (Couard en chef) de James Victore représentant Donald Trump en 2016 (p. 259) – et des affiches issues et accompagnant un mouvement de protestation, voire une manifestation ponctuelle. Donner aux deux le titre d’œuvres artistiques revient moins à les mettre sur un pied d’égalité, qu’à brouiller leurs horizons et les dispositifs particuliers dans lesquels ils s’insèrent. Il en va de même pour les photos qui parsèment ce livre et qui sont mises en parallèle avec des affiches, comme s’il ne s’agissait pas de contextualiser l’origine de ces affiches, mais d’attribuer à ces photos un caractère artistiquement identique. Or, là encore, cette requalification n’est pas neutre et risque de les vider de leur charge politique. La mobilité potentielle de ces photos aurait dû offrir l’occasion d’analyses sur ces glissements et déplacements (volontaires ou non) par rapport à l’art et au politique. Par exemple, la photographie d’un policier matraquant une manifestante lors de la grève des mineurs en Grande-Bretagne en 1984 ; ce document photographique, repris en carte postale, puis en affiche, dévoile un travail sur le matériau qui peut, à un moment donné, selon les circonstances, prendre la bifurcation de l’art. Ou encore, les affiches bordant le campement de la paix de Brian Haw, face au parlement britannique, entre 2001 et 2011, reproduites par l’artiste Mark Wallinger au cours d’une installation en 2007 : le statut de cette installation, placée sur le marché de l’art, pour fidèle qu’elle soit techniquement à l’original, équivaut-elle à l’action de Brian Haw ? Qu’est-ce qui se gagne ou se perd, qu’est-ce qui change ?

Faute d’avoir mieux cerné la distance, l’ancrage et le cheminent de ces images, on perd quelque peu les singularités et décalages, au risque d’un certain nivellement du politique par l’art. Ainsi, la représentation de jeunes modèles engluées dans du pétrole, dans un magazine de mode, pour dénoncer la marée noire de l’Exxon Valdez en 1990 (p. 191), comme exemple « d’art contestataire » pose problème. Plus encore, lorsqu’elle est mise en parallèle avec, entre autres exemples, une photo des Mères de la place de Mai, à Buenos Aires, en Argentine, comme si elles appartenaient à un même champ, et que celui-ci serait de l’ordre artistique. Ou qu’il n’y aurait pas (ou plus) de frontière étanche entre art, politique et vie. Mais ce qui était la quête des mouvements d’avant-gardes – renverser cette frontière – avait pour but de subvertir et de fixer l’expérience artistique sur une vie à changer, et non pas, comme dans l’art contemporain (dominant), à faire de toute manifestation un objet d’art, à destination du marché artistique. Bref, pour être contestataire, l’art doit aussi contester les conditions économiques de l’art. Cette tension ou contradiction n’est pas développée ou questionnée ici. Au final, reste donc un grand et bel aperçu de plus de cinq siècle d’inventivité graphique, au rythme des conflits et manifestations, mais auquel il manque un appareil critique réellement conséquent.

1Il est malheureux que, dans le contexte actuel, et dans un texte consacré au mouvement féministe, « harassment » ait été traduit à deux reprises par « harcèlement » des gouvernants (p. 37) et des politiciens (p. 47), plutôt que par « intimidation ».

2Pour une analyse (en anglais) féministe de son œuvre, voir Susan Day, Hannah Höch: The forgotten sociopolitical commentator ?, 23 janvier 2019, https://medium.com/@susanday_25940/hannah-h%C3%B6ch-the-forgotten-sociopolitical-commentator-b358059a6526.

3Lire à ce sujet l’article de Leila Al-Shami (en anglais) sur son blog : Emerging from ‘The Kingdom of Silence’ | Beyond Institutions in Revolutionary Syria, 15 décembre 2016, https://leilashami.wordpress.com/2016/12/15/emerging-from-the-kingdom-of-silence-beyond-institutions-in-revolutionary-syria/.

 

 

Thomas Bouchet, De colère et d’ennui. Paris, chronique de 1832, Paris, Anamosa, 2018, 192 pages, 18 €.

Un compte-rendu de Morgan Poggioli

Thomas Bouchet, historien spécialiste des socialismes du XIXe siècle [1], nous propose un ouvrage inclassable. Ni (mi) roman, ni (mi) étude historique, De colère et d’ennui est une sorte d’invitation au voyage dans un dix-neuvième siècle souvent méconnu ou fantasmé. Pour cela, l’auteur – familier de la période – donne à lire des sources intimes et personnelles. Mais toute l’originalité de ces sources réside dans leur invention, c’est-à-dire qu’elles ont été ‘‘reconstituées ‘’ ou ‘‘reconstruites’’ par Thomas Bouchet à partir d’archives réelles, de même que les quatre personnages principaux de l’histoire sont inspirés par de ‘’vraies’’ femmes.

Car oui, c’est à travers les voix et les écrits de quatre femmes que se dessine cette chronique du Paris révolutionnaire et cholérique de 1832. De la correspondance épistolaire d’Adélaïde, bourgeoise rongée par l’ennui, au journal intime de Lucie, jeune nonne tout juste entrée au couvent, en passant par les discours pénétrés d’Émilie, féministe saint-simonienne ou les interrogatoires de Louise, marchande ambulante suspectée d’avoir participé aux barricades de juin [1832], le lecteur alterne les points de vue, les mondes sociaux, les modes de narration et les trajectoires de ces héroïnes singulières, sans savoir d’ailleurs si elles ont un lien entre elles – et nous ne dévoilerons rien de cette intrigue dans ce compte-rendu.

Nous pouvons par contre souligner combien ce livre permet de s’imprégner, presque toucher, ce Paris du dix-neuvième siècle, grâce à son approche par le bas. Car si les grands événements (l’épidémie de choléra et les journées des 5 et 6 juin 1832) en constituent la toile de fond, les personnages nous parlent de leur quotidien, de leurs craintes, de leurs espoirs, de la vie, de l’amour et de la mort. Le registre des sens et des sensations y est omniprésent [2] ; les mots, le langage, les lieux, les objets/produits de l’époque, à la fois familiers et surannés pour l’homme/la femme du de notre XXe siècle ; tout tend à rendre cette histoire romancée encore plus vraie, plus palpable et instructive qu’une étude historique au sens classique du terme.

A travers ces quatre regards différents – voire opposés – s’échafaudent également deux visions : celles qui veulent échapper à un monde en crise(s) en se retirant du monde justement comme Lucie ou en évitant de s’y confronter à l’instar d’Adélaïde qui préfère vivre les événements par procuration à travers sa Gazette des tribunaux et qui, à la compagnie des humains, opte pour celle des animaux vivants au Jardin des Plantes ou même morts (empaillés) parmi les collections du Muséum d’histoire naturelle. De l’autre, on trouve celles qui à l’inverse vivent pleinement, dangereusement, leurs engagements telles Émilie et Louise, au risque de grandes désillusions.

Enfin, quelques mots sur le livre en lui-même ; un très bel ouvrage présenté façon carton à dessin et contenant de nombreuses esquisses, lettres, plans d’époque de Paris, ainsi qu’une chronologie détaillée de l’année 1832, qui permettent de mieux resituer dans l’espace et dans le temps le parcours de ces quatre « drôles » de dames à la fois si proches et éloignées de nous. En somme, un pari audacieux – autant sur le fond que sur la forme – tenu avec brio et relevé d’une touche de classe et  d’élégance.

[1]     Thomas Bouchet, Vincent Bourdeau, Edward Castleton, Ludovic Frobert et François Jarrige (dir.), Quand les socialistes inventaient l’avenir : presse, théories et expériences (1825-1860), Paris, Éditions La Découverte, 2015, lire le compte rendu ici, https://dissidences.hypotheses.org/6065

[2]     Thomas Bouchet, Les Fruits défendus. Socialismes et sensualité du XIXe siècle à nos jours, Paris, Stock, collection « Les essais », 2014, lire le compte rendu ici https://dissidences.hypotheses.org/6887

Sylvain Pattieu, Et que celui qui a soif, vienne. Un roman de pirates, Rodez, Editions du Rouergue, collection « la brune », 2016, 480 pages, 21,80 €.

Un compte rendu de Jean-Guillaume Lanuque (suivi d’un entretien avec Sylvain Pattieu)

L’historien Sylvain Pattieu, maître de conférences à Paris VIII, s’impose aussi désormais comme un écrivain talentueux avec Des Impatientes, Avant de disparaître ou Beauté parade1. Délaissant en apparence ces « romans vrais », il a choisi cette fois de créer un récit de piraterie. Et le moins que l’on puisse dire, c’est qu’il le fait avec brio et style. En une période jamais délimitée avec précision, mais que l’on devine être inscrite à la fin du XVIIe siècle ou au début du XVIIIe, nous découvrons dans la première partie du livre l’histoire de trois navires bien distincts.

Le premier est un négrier, à bord duquel certains esclaves, César, leader-né, Marquise la rebelle et la vieille, visiblement dotée de pouvoirs, fomentent une révolte et parviennent à prendre le contrôle du bateau. Le second, nommé Le Florissant, transporte pour sa part des passagers vers le Nouveau Monde. A son bord, quelques hommes d’équipage malgré eux (Ferracciolo le défroqué illuminé et Jacques-Louis, vitrier), une belle – Manon – et son soupirant, le naïf chevalier Barral. Tout ce beau monde voit son périple interrompu par l’attaque de pirates, dirigés par le capitaine Calico, qui prennent possession du Florissant. Le dernier des trois navires principaux est le bateau amiral d’une flotte de la Compagnie néerlandaise des Indes orientales. Son responsable, Arjen, est un ambitieux confit en dévotion, persuadé que Jésus s’exprime en lui. Pour défendre le capital qu’il représente, toute une compagnie de guerriers a été engagée : dirigée par le capitaine Karl, en réalité Katharina, la propre sœur d’Arjen, elle va devenir le catalyseur d’un drame conduisant à la dépossession d’Arjen. La seconde partie du roman voit ces trois navires se rejoindre2, jusqu’à fusionner en un équipage cosmopolite et solidaire, échappant à l’ire des personnages dépossédés dans la première partie, auxquels se joint le gouverneur d’une île quelque peu interlope. Le dénouement intervient dans la dernière partie, au cours de laquelle les pirates doivent faire le choix de l’insularité, dans une réplique de la mythique Libertalia, jusqu’à édifier un monument précédant la statue de la liberté3.

La force de Et que celui qui a soif, vienne, tient à trois qualités d’importance. La première, c’est le soin apporté à l’incarnation des personnages. Tous se révèlent extrêmement authentiques, parfois directement inspirés de figures réelles (Baruch, compagnon de Karl/Katharina, est comme l’alter-égo uchronique de Spinoza, tandis que Jacques-Louis est inspiré par Jacques-Louis Ménétra, vitrier parisien ayant laissé un journal mis en valeur par Daniel Roche ou David Garrioch). Le second atout, renforçant d’ailleurs la profondeur des individus imaginés, c’est la rigueur des recherches documentaires, que l’on repère dans le vocabulaire parfois utilisé4, une rigueur qui se couple avec la nette empreinte d’une histoire engagée, marxiste en particulier. Gamin, mousse du navire négrier, est orphelin d’un père s’étant opposé au mouvement des communaux en Angleterre, et il est en partie protégé à bord du négrier par un ancien niveleur5 ; Ferracciolo privilégie un discours chrétien et contestataire, dans la lignée d’un Thomas Muntzer ; les pirates unifiés adoptent un règlement égalitaire directement tributaire de ceux évoqués par Marcus Rediker ; enfin, les propos d’un des dirigeants de la Compagnie annoncent l’avenir, un éloge de l’efficacité bourgeoise qui anticipe sur le Manifeste du Parti communiste. Troisième élément qui porte Et que celui qui a soif, vienne, la vigueur de l’intrigue : verve des personnages, efficience des descriptions, efficacité des scènes d’action plutôt traitées à l’économie, sans oublier une verdeur rappelant celle du Fortune de France de Robert Merle. Non sans éléments très contemporains, que ce soit le couple homosexuel de pirates, Sullivan l’Irlandais et James l’Amérindien, ou le trio amoureux impliquant Manon, Calico et Karl/Katharina, ces deux dernières étant quelques-unes des figures de femmes fortes, émancipées.

Cette présence du contemporain va même beaucoup plus loin, puisque Sylvain Pattieu a choisi, dans une démarche surplombante qui vaut symptôme d’époque, d’intervenir directement dans la narration, en évoquant des souvenirs personnels, parfois douloureux (la disparition de sa mère), qu’il relie à des situations fictives6. Il y a là une démarche profondément empathique, sensible également dans les allusions à d’autres situations ou personnalités historiques : César comparé à Lénine, les morts ignominieuses de dictateurs au début du XXIe siècle illustrant la justice sommaire pratiquée par les mutins, le couple noir de pirates de l’air Jean et Melvin McNear dans les années 1970, sont autant de passages incongrus seulement de prime abord. Autant d’éléments qui visent en réalité à renforcer l’universalité du récit, et nous le rendent toujours présent.

Cinq questions à… Sylvain Pattieu (entretien numérique réalisé le 4 avril 2016)

1) Comparativement à vos précédents livres, Et que celui qui a soif, vienne se révèle totalement différent dans son sujet : comment l’idée vous en est-elle venue ?

Sylvain Pattieu : L’idée m’en est venue lors d’une formation-débat au cours de l’université d’été de la défunte LCR : j’avais lu les livres de Marcus Rediker sur la piraterie et imaginé que cela pouvait intéresser des militants. L’heure était à de nouvelles formes de piraterie notamment informatique avec les hackers. Un ami qui y avait assisté m’a suggéré l’idée, quelques années après, d’en faire un roman. Au début l’idée m’a semblé saugrenue. Puis j’ai lu Faillir être flingué, de Céline Minard, qui s’empare du genre du western non pour s’en gausser ou le pasticher, mais pour le transformer par une écriture résolument contemporaine. Je me suis dit qu’on pouvait appliquer cette ligne de conduite aux pirates, et conjuguer souffle épique du roman d’aventure et éléments de réflexion sur la première mondialisation de l’époque moderne. Il ne s’agit pas d’un roman historique, mais d’un roman qui essaye, sur arrière-fond de piraterie, de parler d’utopie, d’amour, de deuil et de révolte.

2) Vous détaillez en fin d’ouvrage la bibliographie que vous avez utilisée, et on devine que les travaux de Marcus Rediker y occupent une place majeure : que pensez-vous des débats historiographiques autour des pirates des XVIIe et XVIIIe siècles, justement, et des remises en cause des analyses de Rediker ?

Sylvain Pattieu : Il y a des débats historiques, bien sûr, sur le sens donné à la piraterie. Pour simplifier un peu les choses, Rediker voit les pirates comme des grains de sable dans cette première mondialisation, portés pas des aspirations égalitaires : chefs et capitaines élus et révocables ; « sécurité sociale » avec indemnisations pour les pirates blessés ; cosmopolitisme avec des pirates de toutes les nationalités et même des pirates noirs, anciens esclaves ; remise en cause des normes de genre avec les quelques exemples de femmes pirates. Il s’inscrit, il me semble, dans la lignée des analyses d’Hobsbawm sur les brigands, et il présente les pirates comme des sortes de « Robin des Bois ».

Cette analyse constitue la toile de fond de mon roman. C’est un parti pris romanesque, pas historique, et je comprends bien que d’un point de vue historique ce puisse être remis en cause, qu’on y voit une certaine fascination pour la piraterie, une façon de tordre le bâton dans un sens qui arrange Rediker. Toutefois, son travail est très sérieux, et même si certains contestent ses conclusions, la richesse de ses recherches n’est pas remise en cause. L’écrivain italien Valerio Evangelisti, qui a écrit lui aussi un roman de pirates, prend le contre-pied total de cette vision de la piraterie, dans laquelle il voit une économie de prédation et une sorte de préfiguration d’un capitalisme sans foi ni loi. J’ai choisi de privilégier, dans mon roman, une autre vision des choses.

3) L’irruption de votre histoire personnelle, ou d’épisodes postérieurs à la date du récit, dans le corps du roman, répond-elle à une finalité particulière ? S’agit-il de montrer l’actualité et l’universalité de cette histoire ? De manière plus générale, peut-on dire que Et que celui qui a soif, vienne est un roman politique ?

Sylvain Pattieu : Je pense que tout roman est une prise de parole publique, a donc une vocation politique. Je revendique pour le mien une dimension engagée, ce qui ne veut pas dire didactique ou pesante. En effet, je n’hésite pas à entrechoquer mon histoire de pirates avec des éléments historiques parfois anachroniques ou des éléments très personnels et familiaux. C’est que l’écriture permet de telles irruptions, de tels chocs qui sont à mon sens producteurs de sens, d’émotions, et que j’essaye en effet à chaque fois de tirer vers l’universel, car je crois m’éloigner du modèle parfois décrié de la littérature nombriliste. Si je me mets en scène, moi ou ma famille, c’est pour dire d’où je parle, et aussi pour jouer avec la figure du narrateur.

Écrire des textes littéraires est pour moi un plaisir, un besoin, une jubilation, je peux jouer avec le langage, avec les mots. Les anachronismes, les irruptions intempestives d’éléments extérieurs à l’histoire participent de cette jubilation, de ce sens, et on peut se le permettre en littérature, pas en histoire.

4) Votre roman possède un souffle remarquable et une puissance émotionnelle affirmée, et m’a fait la même excellente impression que Le Déchronologue, de Stéphane Beauverger, dans le genre de pirates : comment avez-vous travaillé, quels sont vos secrets de fabrication ?

Sylvain Pattieu : Je me suis beaucoup documenté et j’ai laissé infuser. J’ai lu des livres parfois sans lien direct avec mon sujet mais dont le souffle m’a porté : d’autres récits d’aventure, mais aussi les livres de Maylis de Kerangal, Olivia Rosenthal ou Alice Zeniter par exemple. J’ai mis deux ans à écrire ce livre, et au cours de ces deux ans j’ai écrit Beauté Parade aux éditions Plein Jour, un documentaire littéraire sur la grève de travailleuses sans-papier dans un salon de beauté de Paris. La manière dont j’ai composé ce récit, en mettant en scène le narrateur, m’a permis de reconsidérer et de modifier mon histoire de pirates. Je suis encore un écrivain débutant donc j’aime expérimenter, tenter, essayer. Par ailleurs, je livre à la fin du livre un « making-off » de plusieurs pages.

5) Quels sont vos projets d’écriture, sur quoi travaillez-vous en ce moment, que ce soit dans le domaine de la fiction ou dans celui de l’histoire plus universitaire ?

Sylvain Pattieu : J’ai publié un texte dans la revue La Moitié du Fourbi, le numéro 3, dont le thème est « Visage ». Je travaille sur plusieurs enquêtes littéraires : une judokate française qui a voulu devenir sénégalaise, un patron de bar rue de Lappe, deux anciens pirates de l’air américains. Je travaille aussi, dans le cadre de ma résidence à la bibliothèque de Bondy, autour de la thématique de la forêt. J’ai fait dans ce cadre des projets avec des centres sociaux, des collégiens et des écrivains, des usagers de la bibliothèque. Je ne me suis pas encore relancé dans l’écriture d’un roman mais je fourmille d’idées.

Concernant mes recherches historiques, j’ai été cette année commissaire d’une exposition organisée par le comité d’histoire de la ville de Paris sur « Bons baisers de Paris, 300 ans de tourisme dans la capitale ». Je travaille aussi sur le BUMIDOM (Bureau des migrations d’outre-mer, qui a organisé la venue en métropole de milliers d’Antillais, Réunionnais, Guyanais des années 1960 à 1980), je co-anime un séminaire sur l’histoire des populations noires en France, et je fais des recherches aussi sur le port à Marseille (notamment sur les dockers).

Tout ceci fait pas mal d’occupations, j’ai une vie bien remplie !

1Pour ce dernier roman, sa chronique est disponible sur notre blog : http://dissidences.hypotheses.org/6056

2Une réalité déjà annoncée par la dernière phrase de la première partie, très longue et sans point-virgule ni point, comme pour mieux mêler les destins.

3On peut éventuellement voir cette érection comme un parallèle avec le monument bâti sur le Vésuve par les partisans de Spartacus dans le roman d’Howard Fast. Voir mon article « Les 1001 vies de Spartacus », publié dans la revue électronique de Dissidences : https://revuesshs.u-bourgogne.fr/dissidences/document.php?id=2797

4Le gouverneur s’exprime pour sa part dans un sabir mélangeant le français et l’anglais, entre autres, que l’on croirait inspiré du personnage de Salvatore dans Le Nom de la rose.

5L’évocation de sa mort, pages 80-81, fait partie des plus beaux moments du livre.

6Cette démarche, déjà mise en œuvre par Sylvain Pattieu dans Beauté parade, fait penser à celle adoptée par Emmanuel Carrère dans Le Royaume, mais sans les outrances exhibitionnistes de celui-ci.